Kapitola 9. Dekorativní a užité umění západní Evropy konce XNUMX. – první poloviny XNUMX. století. Secese a art deco

moderní (francouzština) moderní – moderní) je zvláštní umělecký směr v umění, který se objevil na konci XNUMX. století. Dalším z jeho běžných názvů je art nouveau (fr. secese – „nové umění“). Hlavními charakteristickými rysy tohoto stylu bylo odmítnutí používat rovné linie a úhly. Umělci pracující tímto směrem preferují přírodní formy a motivy.

Jedním z charakteristických rysů moderny je zájem o nejnovější technologie. Dekorativní a užité umění se v tomto období stalo neuvěřitelně populární. To samozřejmě platí i pro ornament.

Charakteristické rysy secesního stylu

• Tlumené barvy. Obvykle v dekorech tohoto stylu můžete vidět světle zelenou, lila a hnědou.
• Hladkost a zakřivení linií umístěných jak svisle, tak vodorovně.
• Lakonické formy. Velmi často se používají kulovité, válcové a obdélníkové siluety.
• Syntéza prvků široké škály stylů.
• Časté používání asymetrických motivů umělci a dekoratéry.
• Použití barevného skla. Rozšířily se skladby Louise Tiffanyho nebo jejich imitace.

Secesní styl se snaží o spojení užitné a umělecké funkce. Podle vyznavačů tohoto trendu by se do oblasti krásy měly zapojit všechny sféry lidské činnosti. Hlavním principem je ztělesnění efektu dynamiky v aerodynamických, plastických formách. Secese se objevila z naprostého zmatku ve stylech evropské kultury na konci XNUMX. století. Dalším důvodem byl technologický průlom společnosti a přechod od řemesel k průmyslové velkovýrobě.

Hlavní charakteristické rysy ornamentu v secesním stylu

Fasády budov, domácí potřeby, dekorace a interiéry secesní éry jsou bohatě zdobeny velkým množstvím kroucených, dynamických a zároveň lakonických linií. Tento prvek byl navržen tak, aby zdůraznil tvar objektu a často připomínal bizarní, ohýbající se rostliny. Linie v secesi je spojena s mořskými vlnami nebo záhyby ženských šatů. To vyjadřuje hlavní myšlenku a základní princip stylu – propracovanost, rafinovanost a určitou vrtošivost. Předpokládá se, že ornament se vrátil do módy právě díky popularizaci tohoto trendu.

Dekorativní umělci počátku XNUMX. století přikládali velký význam orientálním motivům. Tradiční evropské motivy jsou přitom prostě proměněny k nepoznání. Klasické prvky – třešně, karafiáty, broskve, bambusové stonky – se stále používají, ale zároveň dostávají zcela nový zvuk. Stylizované přírodní formy se používají jako samostatný dekorativní prvek, určený k tomu, aby je divák obdivoval a obdivoval.

Secesní ornamenty často vycházejí z duhovky, charakteristické pro tento styl, symbolizující malátnost a blaženost. Dalším hojně využívaným prvkem je lilie jako odraz panenství a čistoty ve vzoru. Další tři květiny – orchidej, leknín a tulipán – se stávají symboly smrti a tragédie. Zcela opačný význam se váže k růži. Tato květina Venuše slouží jako symbol všeho krásného, ​​především lásky a štěstí. Tradiční obrázek Stromu života se také běžně používá ve výzdobě. Tento prvek přirozeně symbolizuje nebeský život.

Secesní ornament v interiéru

Ornament v secesi není ani prvkem designu předmětů. Sám působí jako dekorace. Secesní dekory jsou prostě neuvěřitelně krásné a působivé. Všude se jím zdobí závěsy, čalounění, nábytek a tapety. V tomto případě se používají především rozmarné rostlinné motivy. Pokud se jedná o květiny, pak jsou velmi velké. Pokud jde o odstíny, pravidla v tomto ohledu diktuje móda všeho japonského, která přišla na přelomu století. Široce se používají fialové, plavé, stříbrné a šedozelené barvy. Stěny zdobené květinovými vzory jako by rostly od stropu k podlaze. Vždy je však dodržováno jedno ze základních pravidel designu v secesním stylu – nepřípustnost příliš mnoha detailů. V koupelnách se často používá obkladová bordura s geometrickým vzorem, která na první pohled jen připomíná starožitnou.

Kompozice vždy obsahuje vlnu charakteristickou pro secesi, spirálu nebo čtverec. Tento prvek zdobí i tak jednoduchý vzor, ​​jakým je meandr. V celém designu interiéru jsou samozřejmě použity zakřivené linie charakteristické pro tento styl, prostoupené expresivním rytmem a podřízené celé kompozici designu místnosti. Samostatně lze zvýraznit zdobená vitrážová okna. Nejčastěji používané modely jsou ve stylu Tiffany.

Dalším rysem, který je secesi vlastní ve výzdobě řekněme interiéru, je zdvojení. Vzor lze opakovat například na dveřních portálech a na kusech nábytku. Příklady květinových vzorů vytvořených v secesním stylu můžeme vidět na etiketách a vinětách slavného českého umělce Alphonse Maria Muchy (1860–1939), v dílech Aubreyho Beardsleyho (1872–1898) a velkého Rusa Michaila Vrubela (1856–1910).

V poslední čtvrtině 19. století začali mistři dekorativního a užitého umění hledat nové cesty rozvoje. Nespokojili se s další koexistencí, a někdy i s mísením stylů, a s poklesem úrovně masové výroby. Vznikla potřeba vytvořit jednotný styl ve výrobě věcí, jehož forma, dekor a technické provedení by odpovídaly vlastnostem materiálu. Nový styl – Art Nouveau – vznikl v Paříži a Nancy a poté se rozšířil po celé Evropě. Je charakteristické, že toto umělecké hnutí mělo v různých evropských zemích různá jména. Ve Francii to byla Art Nouveau, v Německu – Jugendstil, v Itálii – Liberty. Z rozmanitých faktorů charakterizujících secesní styl stojí za zmínku apel mistrů na přírodní formy, reprodukci plynulých, vlnitých linií rostlin, zvířat a jejich stylizaci. Secese si vymyslela vlastní specifické zbarvení, plné bažinatých, travnatých odstínů hnědozelené, hnědé, kalné, nečisté s příměsí fialové, růžové. Mohla se v ní objevit i silnější tóny: karmínově červená s kontrastní černou.

Ornament. Secese nedokázala vytvořit dostatečně jasný ornamentální systém vztahu. Existují pouze některé charakteristické dekorativní útvary v podobě asymetricky stoupajících a pomalu klesajících hmot, podléhajících obecným rytmickým vzorům. Z předchozí fáze historismu si secese zachovala silný závazek k „všežravosti“: ve své stylistické kuchyni vyzkoušela doslova všechno – od motivů staroegyptského umění až po obraz kapky vody pod lupou. Ale

Zároveň secese odhalila své sklony v dějinách samotné umělecké kultury. Je klasickým uměleckým ztělesněním kultury dekadence. Silný dojem na Evropany udělala v polovině století výstava japonského umění, která znamenala konec dvou set let izolace této země od okolního světa. Japonské umění je založeno na zcela odlišných estetických kánonech: odmítnutí symetrie a rapportu, mimořádná sofistikovanost, estetismus. To vše sehrálo roli při formování budoucího stylu. Nejvýznamnější historickou složkou secese však byl styl pozdní gotiky. Právě v něm viděl vzor zakladatel západoevropské secese, anglický umělec, podnikatel a teoretik William Morris. Secese se svým stylem doslova vyrostla z planoucí gotiky. Počínaje imitací, stylizací zrodila svůj vlastní styl. Gotické kompozice se začaly rozmazávat, deformovat, měnily se z matematicky ověřených struktur v amorfní, pomalé, jako by se proplétaly rostliny. Toto umění, které se objevilo jako jakýsi protiklad k industriálnímu světu, mohlo vyjadřovat pouze myšlenku krize své doby. Myšlenka neúplnosti, nepředvídatelnosti výsledku je dovedena do absurdity.

Secese byla uměleckým vyjádřením posledního okamžiku duchovního úpadku evropské kultury. A hranicí, kterou svou existencí zvěčnila, byla hranice mezi Novou a tzv. Moderní dobou, z velké části založenou na zcela odlišných materiálních a duchovních základech.

Pokud měl secesní styl v prvním období své existence v mnoha ohledech aplikovaný charakter, často jednoduše zdobil průmyslové povrchy architektonických fasád nebo předměty pro domácnost, pak rytmy zrozené z jeho stylu postupně začínají vtahovat samotnou formu do své oběžné dráhy. Zralý secesní styl dal vzniknout bizarním obrysům věcí pro různé účely, až po interiéry a exteriéry budov. Racionální, konstruktivní základ se ukázal být hluboce skrytý v tloušťce hmoty, jako by se rozprostíral, rozmazával. Amorfní, asymetrické formy odrážely rytmy dekoru. Secese zdědila po gotice zájem o barevné sklo, o vitráže. Postupně jejich gotický jas slábne a získává škálu vybledlých tónů charakteristických pro secesi, mezi nimiž je obzvláště oblíbená fialová. Za nejvýraznější dekorativní nález secese by měl být považován její slavný ornament v podobě ostré, smyčkové křivky. Jasně se projevil ve výzdobě kovaných mříží díky své vnější expresivitě a zároveň dokonalému elementárnímu řešení. Velkolepá silueta této ozdoby byla kvintesencí secesního stylu a stala se jeho jedinečnou vizitkou, podobně jako rokajl v rokokovém stylu.

Sklo. Největším mistrem secese, který sehrál vedoucí roli v dějinách francouzského a světového sklářství na přelomu století, byl E. Gallé. Jeho jméno je spojováno s technickým pokrokem ve výrobě skla: oživením technologie foukání skla v 16. století, objevením zapomenutých technik výroby filigránového a polychromovaného skla, smaltované malby na skle, intarzií a vývojem nových forem. Vynalezl novou technologii pro kamejové sklo. Neodřezával horní vrstvy skla, ale postupně je smýval štětcem namočeným v kyselině fluorovodíkové, čímž dosahoval jemných tónových přechodů a expresivních obrazových efektů. Ve svém dekoru se Gallé obracel především k rostlinnému světu, ale někdy zobrazoval i zvířata. Používal zlatou a stříbrnou fólii, slídové třpytky a azbestová vlákna a snažil se dodat sklu vzhled přírodních kamenů. Gallé vytvářel jak unikátní kusy, tak i modely pro sériovou výrobu. Mnoho jeho modelů sloužilo jako předloha pro další francouzské skláře, zejména pro bratry Daumovy. Na základě technického vývoje Gallého bratři Daumovci vnesli do výroby skleněných výrobků prvek inovace. Na rozdíl od Gallého začali vnitřní vrstvu předmětů vyrábět barevnou.

Americký sklářský umělec Louis Comfort Tiffany pokračoval v práci v duchu pařížské křivočaré secese. V roce 1880 si nechal patentovat své „duhové“ sklo (favrile glass – sklo s iridescencí), jehož výrobní technika spočívala v ošetření zahřátého skla parami různých kovů a oxidů. Pouze touto technikou bylo možné zprostředkovat třpyt křídel vážky nebo duhové peří pávího ocasu; poddajnost skla byla spíše příznivá pro kudrlinky, prstence a vlnovky než pro vertikály, čtverce a obdélníky.

Tiffanyho styl šperků byl založen na nádherné kombinaci diamantů s platinou a bílým zlatem. Ani komerční směr se nezastavil. Luxusní šperky musely vyvolávat obdiv a respekt u ostatních. Klenotníci na to reagovali nejen expanzí starých firem jako Cartier a Fouquet, ale také vytvořením nových: Bulgari, Carrera a Carrera.

Kov. Jedním z nejpozoruhodnějších mistrů této doby byl René Lalique. Dovedl techniku odlévání k dokonalosti, oživil vitrážové smalty a ve svých dílech hojně používal duhové smalty živých horkých květin. Nejvýznamnějším umělcovým úspěchem bylo přehodnocení významu šperků pro člověka. Zásadní bylo odmítnutí demonstrovat bohatství zákazníka. Lalique vytvářel obrazy své doby, zdůrazňoval a zastínil charakter a individualitu. Jako klenotník se proslavil již na začátku své tvůrčí činnosti. Vytvořil originální hřebeny z rohoviny, zdobené květinovými ornamenty ze zlata a dalších drahých materiálů, brož ve tvaru ženské hlavy s rozpuštěnými vlasy. Z přírodních motivů Lalique upřednostňoval jednoduché formy: kosatce, svlačec, konvalinku. Umělcova originalita se projevovala v jeho lásce k polodrahokamům, které v té době vyšly z módy.

A. Vevey pracoval v japonském stylu. Umělec a sběratel, který vlastnil nádherné ukázky japonského užitého umění, vytvořil přívěsek „Sylphide“ v podobě motýlí ženy, jejíž křídla se třpytí drahými kameny. Jedná se o jeden z nejcharakterističtějších šperků secese. Díla klenotníka Georgese Fouqueta se vyznačují idylickou interpretací exotických rostlin a hmyzu. Skutečné uznání si však dům Fouquet získal díky spolupráci svého šéfa s umělcem Alphonsem Muchou. Jedním z mistrovských děl této spolupráce byl náramek „Snake“, vyrobený pro slavnou herečku Sarah Bernhardt.

Oživení konceptu „mužnosti“ vdechlo nový život dekorativnímu umění. Stará, sofistikovaná, křivočará secese se proměnila v novou, přímočarou secesi. Inovátorem v tomto směru byl Charles Rennie Mackintosh (1868-1928). Jeho hlavním zdrojem inspirace byla keltská kultura a tato fascinace měla přímý vliv na secesní umění jako celek.

Na začátku 20. let 1911. století se západní svět stále zotavoval z první světové války. V té době většina lidí žíznila po protijedu proti hrůze a bolesti: zábavě, lehkovážnosti a ještě jednou lehkovážnosti. Reakcí na nespoutanou lehkovážnost a dekadenci však byl přísný, intenzivní a nekompromisní styl, který válku přežil a byl jí zmírněn. Kubismus, který se vymanil z okruhu Picassa a Braqua, se od roku 1925 pokoušel částečně smířit umění s rychle se rozvíjejícím světem. V roce 20 se v Paříži konala Mezinárodní výstava dekorativního umění, která dala novému stylu Art Deco jeho jméno. Art Deco bylo živeno v hlubinách kubismu. Byl to kubismus domestikovaný pro masovou spotřebu. Pokud kubismus dal Art Deco jeho charakteristické formy, pak mu ruský balet dal barvy. Ruský balet představil nové, šokující barvy: oslnivou oranžovou, smaragdovou a žlutozelenou. Módní dekorativní motivy XNUMX. let – pramen, z něhož hojně a zbytečně teče voda; bezstarostní daňci, gazely a antilopy, jelenice s kolouchy, chrti.

Termín Art Deco označuje styl, který kombinuje klasicismus, symetrii a linearitu. Jako umělecké hnutí se objevilo mezi lety 1908 a 1912 a svého vrcholu dosáhlo mezi lety 1925 a 1935. Art Deco bylo také známé jako Jazz Modern, Zig-Zag Modern a Streamline Modern, přičemž druhý jmenovaný označuje formy založené na aerodynamických siluetách automobilů, lodí a letadel.

Jeden z výrazných uměleckých trendů počátku 20. století lze nazvat stylem suprematismu. Slavný francouzský umělec ruského původu, žák K. Maleviče, N. Chodasevič-Léger, vytvořil ve 1970. letech XNUMX. století skici, z nichž mnohé sloužily jako vzorky pro sérii šperků vyrobených v roce XNUMX mistrem D’Astréem. Kombinace forem dovedených na úroveň diagramu – kruh, obdélník, trojúhelník, spojené v různých úhlech, vytvářejí v objektech plastické napětí.

Art Deco se nevyhnulo vlivu dalšího pozoruhodného fenoménu v rozvíjejícím se umění Západu na počátku 20. století – abstrakcionismu. Inovace abstrakcionismu jsou spojovány především se zásluhami ruského umělce Vasilije Kandinského. Vyjádření rychlosti pohybu pomocí rychlých linií a opakujících se forem se stalo jedním z oblíbených motivů Art Deco.

Ve 1920. letech 30. století došlo ve Francii k oživení tapiserií. Řemeslníci se odchýlili od praxe XNUMX. století, kdy za nejvyšší úspěch bylo považováno kopírování obrazů, zprostředkování efektu perspektivy a velké množství odstínů různých barev. Umělci XNUMX. století viděli hlavní cesty k obnově tkaní tapiserií v odmítnutí kopírování témat a technik malby, v hledání ztracené originality a skutečné dekorativnosti, nezbytné pro nástěnné tapetování. Tento trend ve XNUMX. letech XNUMX. století podpořil a rozvíjel umělec a výrobce kartonů J. Lurçat.

Lak. Oblíbeným materiálem v éře art deco byl lak. Jean Dunand, návrhář moderního nábytku, se stal jedním z předních specialistů na laky mezi mistry art deco. Od rostlinných ornamentů přešel ke geometrickým vzorům a poté k panelům malovaným nejrůznějšími náměty a styly, od afrických a východních motivů až po abstrakci. Oblíbeným doplňkem jeho tvorby byla technika intarzie drcených vaječných skořápek.

Sklo a keramika. Sklo a keramika prožívají období oživení a inovací. Geometrické kompozice umožnily nový pohled na keramiku. Specifika keramiky však na rozdíl od jiných materiálů neumožňovala zdůraznit geometrii výrobků. Skláři dosáhli ve své práci nových technologických výšin. Tak poddajný materiál, jako je sklo, které se samo o sobě stalo jedním ze symbolů modernismu, umožňoval použití jakékoli technologie, ať už leptání, smaltování, pískování, ražbu nebo rytí, stejně vhodné pro dosažení sochařského efektu a zároveň povrchové dekorace. Sklo bylo dovedeno k matné průsvitnosti pomocí alabastru. Kovové části byly vyrobeny z lesklého kovu; chrom, hliník a ocel nahradily klasický bronz. Například,

René Lalique používal lité, kyselinou leptané sklo s vysokými, vyvýšenými spirálami. Sklo se také používalo jako architektonický materiál a bylo upřednostňováno při vývoji moderního nábytku a osvětlení.

V polovině 20. let XNUMX. století se Francouzi stali uznávanými lídry v dekorativním umění. Jejich díla se vyznačovala vytříbeným vkusem, proporcemi a mistrovským zpracováním, zatímco barevné schéma, rafinovaný luxus a lehká frivolita je činily mimořádně atraktivními. Jedinečný vzhled nábytku ve stylu art deco dodávaly vzácné a drahé materiály, jako je eben, palmové dřevo, brazilská jacaranda, palisandr a kontrastní kombinace tradičních dýh. Mezi další oblíbené materiály patřil lak, šagrén, žraločí kůže, ponyská kůže, slonovinová kost a kované železo.

Po pařížské výstavě v roce 1925 se americké obchodní domy, jako například Macy’s a Lord & Taylor, snažily vytvořit poptávku po moderním nábytku pořádáním veřejných výstav. Tyto přehlídky pomohly popularizovat nové formy, což vedlo k modernistickému šílenství v stylu art deco, které se ve 1930. a 1940. letech 1929. století rozšířilo Spojenými státy. Aerodynamické siluety nového nábytku, které vypadaly, jako by byly vyrobeny strojově, byly mimořádně populární. Použití podobného nábytku v hollywoodských filmech pomohlo šířit tento aerodynamický styl. Nábytek byl stylový pokrytím obvyklých, plných obdélníkových tvarů světlou mahagonovou dýhou a béžovým lakem nebo vytvořením aerodynamických tvarů a siluet z ohýbané překližky. Úchytky byly vyrobeny z bronzu nebo jednoduše nahrazeny drážkami pro prsty. Oblíbené byly kombinace černého a světlého laku. A život v nových mrakodrapech vyžadoval multifunkční nábytek, aby se ušetřil prostor. Průmyslový nábytek Marcela Breuera vyrobený z chromovaných ocelových trubek neodporuje principům art deco. V roce XNUMX již několik firem vyrábělo výrobky z ocelových trubek. Pevnost oceli umožnila vytvářet výrobky z kontinuálně ohýbaných segmentů a učinit revoluční krok v designu nábytku.

Šperky. V té době se v špercích používaly diamanty. Klenotníci z Cartieru s nimi pracovali. Ale v dílech umělců, jako byli Jean Fouquet a Raymond Templier, neměla ušlechtilost materiálů zásadní význam. Spolu se zlatem a barevnými polodrahokamy používali ocel, stříbro, kost, dřevo, ebonit atd. Navíc lze říci, že v jejich dílech dominuje jasná grafika forem, kontrast bílé a černé, studeného a horkého, prodlouženého a uzavřeného – součásti obrazu éry mechanizace světa. 13 V komerčních produktech se stále častěji objevovaly zvířecí figurky. Mezi takové patří slavný Cartierův „Panther“, který zůstal značkou společnosti po několik let. Někdy však tyto produkty měly poněkud fantazijní tvary. Výstava z roku 1937 ukázala, že v předvečer nové války se rýsoval určitý návrat k měkkým zakřiveným liniím. Hlavním principem však zůstala přísnost forem a harmonické proporce.

Dekorativní umění se ve 30. letech 1929. století stalo více ideologicky orientovaným, aby odpovídalo nové náladě společnosti. Tuto náladu způsobila bankovní krize v roce 30. 1930. léta XNUMX. století dominovaly ornamentální motivy, jako jsou klikaté blesky, stylizované neoklasicistní účesy, sluneční paprsky, emblémy, které se objevovaly téměř na všem, od krabiček na jehly od gramofonů až po branky do předměstských zahrad. Tento motiv se stal symbolem „úsvitu nového života“ a byl také spojován s bohatými cestovateli XNUMX. let.

Nové umělecké trendy, které se objevily na úsvitu 20. století – secese a její dekorativní pokračování, art deco – byly výsledkem své doby. Doba nových objevů, technologií a designového vývoje ovlivnila jak poněkud složitou secesi, tak symboliku a „luxusní“ jednoduchost art deco. Tyto umělecké trendy následně formovaly rozmanité styly v užitém umění v následujícím období.